Quiz Culture Générale - Tableaux célèbres – Connaissez-vous l'histoire derrière ces chefs-d'œuvre ?

Bonne réponse : L'asile Saint-Paul-de-Mausole à Saint-Rémy-de-Provence

Van Gogh entra volontairement à l'asile Saint-Paul-de-Mausole à Saint-Rémy-de-Provence en mai 1889. La Nuit étoilée fut peinte en juin de la même année et s'inspire de la vue depuis la fenêtre de sa chambre. L'artiste transforma toutefois largement le paysage : le village visible dans la composition, notamment, ne pouvait pas être aperçu ainsi depuis sa fenêtre. Van Gogh séjourna environ un an à Saint-Rémy et y réalisa de nombreuses œuvres majeures.

Bonne réponse : Quatre (deux versions tempera/huile et deux pastels)

Munch a réalisé quatre versions principales du Cri : deux en peinture (tempera et huile sur carton, 1893 et 1910) et deux en pastel (1893 et 1895). La version de 1895 au pastel, issue d'une collection privée, fut vendue aux enchères en 2012 pour près de 120 millions de dollars, établissant un record mondial. La version la plus connue — celle des reproductions et des mèmes — est la version de 1893 exposée à la National Gallery d'Oslo. Dans son journal, Munch décrit avoir été saisi d'une angoisse immense et avoir vu le ciel devenir « rouge sang ».

Bonne réponse : La femme regardait le spectateur directement, sans prétexte mythologique

Les nus féminins étaient courants au Salon, mais ils représentaient des déesses, des nymphes ou des figures mythologiques. L'Olympia, elle, est une femme contemporaine — une courtisane identifiable, nue, avec ses chaussons, son ruban noir et son chat — qui regarde le spectateur droit dans les yeux avec une assurance provocatrice. Pas de prétexte mythologique. La critique fut violente : on parla de « femme de petite vertu », de tableau « immoral ». Manet, blessé, fut défendu par Émile Zola. Le tableau est aujourd'hui au musée d'Orsay.

Bonne réponse : Le roi Philippe IV et la reine Mariana, devant qui la scène se déroule

Las Meninas (1656) est une mise en abyme complexe : on y voit l'infante, ses dames de compagnie, un nain, un chien, et Velázquez lui-même tenant un pinceau. Dans un miroir accroché au fond, apparaissent les reflets du roi Philippe IV et de la reine Mariana — les personnages devant qui l'ensemble de la scène se déroule, et que le peintre est peut-être en train de représenter. Ce dispositif brillant, où le spectateur occupe la même position que le couple royal, a fasciné des siècles de commentateurs et d'artistes, dont Picasso qui en réalisa 58 variations.

Bonne réponse : Son message révolutionnaire fut considéré comme politiquement embarrassant

L'État acheta La Liberté guidant le peuple en 1831, mais son exaltation de l'insurrection devint rapidement politiquement embarrassante pour le nouveau pouvoir. L'œuvre fut retirée de l'exposition publique et ne connut ensuite que des présentations intermittentes pendant plusieurs années. Delacroix avait pourtant peint la toile en réaction aux Trois Glorieuses de juillet 1830, qui avaient renversé Charles X.

Bonne réponse : Son arrivée sur l'île de Chypre après sa naissance dans la mer

Le tableau représente Vénus arrivant sur le rivage après sa naissance dans la mer. Debout sur une coquille, elle est poussée vers la côte par les vents tandis qu'une figure féminine s'apprête à la couvrir d'un manteau. Botticelli réalisa cette œuvre vers 1485 dans la Florence des Médicis, à une époque où les artistes redécouvraient avec passion les mythes et les formes de l'Antiquité.

Bonne réponse : Sa taille et son aspect paraissent peu compatibles avec une perle naturelle

La taille spectaculaire et l'aspect du bijou ont conduit certains spécialistes à douter qu'il représente une véritable perle naturelle. Plusieurs hypothèses ont été avancées : une imitation en verre ou dans un autre matériau, voire un effet entièrement inventé par Vermeer. L'artiste suggère pourtant le bijou avec seulement quelques touches lumineuses, sans même représenter clairement un crochet reliant l'ornement à l'oreille.

Bonne réponse : La nudité sans prétexte mythologique dans un contexte contemporain choquait

Les académiciens toléraient les nus dans les sujets mythologiques, allégoriques ou historiques. Manet plaça sa femme nue dans un contexte clairement moderne : deux hommes habillés à la mode du Second Empire, un pique-nique reconnaissable, une scène de loisir bourgeois. Pas de déesse, pas d'allégorie. Ce réalisme provocateur fut jugé grossier et immoral. Le modèle, Victorine Meurent, posa aussi pour l'Olympia. Le tableau fut d'abord refusé au Salon officiel, puis exposé au Salon des Refusés où il déclencha les huées du public. Il est aujourd'hui au musée d'Orsay.

Bonne réponse : Deux ans environ, avec de nombreuses études préparatoires

Seurat commença les études préparatoires pour Un dimanche à la Grande Jatte en 1884 et acheva le tableau pour l'exposition impressionniste de 1886 : soit environ deux ans de travail. Il réalisa une soixantaine d'esquisses, croquis et études de personnages avant d'attaquer la toile finale. La technique qu'il développa — juxtaposer de petits points de couleurs pures pour que l'œil effectue le mélange optique — reçut le nom de pointillisme ou divisionnisme. Le tableau est aujourd'hui conservé à l'Art Institute of Chicago.

Bonne réponse : Aline Charigot, qui deviendra plus tard l'épouse du peintre

La jeune femme au chapeau de paille tenant un petit chien est Aline Charigot (1859-1915), ouvrière lingère que Renoir avait rencontrée autour de 1880. Ils se marièrent en 1890, neuf ans après la réalisation du tableau. La scène se passe sur la terrasse de la Maison Fournaise, à Chatou, sur les bords de Seine, un lieu très fréquenté par les impressionnistes. Plusieurs amis de Renoir posèrent pour les autres personnages, dont le peintre, collectionneur et mécène Gustave Caillebotte. Le tableau est conservé à la Phillips Collection de Washington.

Bonne réponse : Le naufrage de la frégate Méduse en 1816, survivants abandonnés sur un radeau

En juillet 1816, la frégate française Méduse s'échoua au large des côtes de l'actuelle Mauritanie. Le manque d'expérience de son commandant et les circonstances de sa nomination alimentèrent le scandale qui suivit. Faute de places suffisantes dans les canots, 147 personnes furent regroupées sur un radeau de fortune. Après près de deux semaines de dérive, seuls 15 survivants furent secourus. Géricault transforma cette catastrophe en l'un des tableaux les plus puissants du romantisme français.

Bonne réponse : Un critique journaliste l'utilisa pour se moquer du tableau, et le terme resta

Le tableau fut présenté à la première exposition du groupe (1874), que la presse nomma « exposition des impressionnistes ». Le terme est généralement attribué au critique Louis Leroy qui, dans le journal satirique Le Charivari du 25 avril 1874, écrivit un article railleur intitulé « L'exposition des impressionnistes », se moquant du titre Impression, soleil levant. « Impression ! J'en étais sûr. Je me disais que, puisque j'étais impressionné, il devait y avoir de l'impression là-dedans. » Le groupe, qui ne s'appelait pas encore ainsi, adopta ironiquement ce surnom moqueur. Le tableau est conservé au musée Marmottan-Monet à Paris.

Bonne réponse : Des feuilles d'or et d'argent appliquées sur la toile

Klimt utilisa des feuilles d'or véritable (et parfois d'argent ou de platine) pour ses œuvres de la « période dorée » (1899-1910). Cette technique s'inspirait des mosaïques byzantines qu'il avait découvertes lors d'un voyage à Ravenne. Le Baiser, peint à la détrempe et à l'huile avec des feuilles d'or, représente deux silhouettes enveloppées dans un manteau floral qui semble les fondre dans un même être. Le tableau est conservé au palais du Belvédère à Vienne. Il est parfois surnommé la « Joconde viennoise » en raison de sa célébrité absolue.

Bonne réponse : Des bandes furent découpées pour adapter le tableau à son nouvel emplacement

La Ronde de nuit, immense tableau peint en 1642, fut transférée en 1715 à l'hôtel de ville d'Amsterdam. Comme la toile était trop grande pour l'emplacement qui lui était destiné, des bandes furent découpées sur ses quatre côtés. Ces morceaux ont disparu. Une copie ancienne permet aujourd'hui de connaître la composition originale, qui comportait notamment deux personnages supplémentaires sur la gauche.

Bonne réponse : Son dos est anormalement allongé par rapport à l'anatomie humaine

Dès le XIXe siècle, les critiques remarquèrent l'allongement inhabituel du dos de la Grande Odalisque, souvent décrit comme l'équivalent de plusieurs vertèbres supplémentaires. Des analyses anatomiques modernes ont montré que la déformation concerne également le bassin. Ingres privilégiait ici l'élégance, la souplesse et la continuité des lignes plutôt qu'une reproduction strictement réaliste du corps humain.

Bonne réponse : Le dentiste de Wood et sa sœur Nan, qui posèrent pour lui

Grant Wood découvrit la maison à Eldon, Iowa, et décida de peindre « le type de personnes qui devraient habiter là ». Il choisit comme modèles son dentiste, le Dr Byron McKeeby (l'homme à la fourche), et sa propre sœur Nan Wood Graham (la femme). Nan fut froissée que les gens y voient sa mère ou une vieille épouse : elle avait 30 ans lors de la pose. Nan Wood Graham vécut jusqu'en 1990 et consacra une grande partie de sa vie à défendre le tableau et son frère. American Gothic est aujourd'hui à l'Art Institute of Chicago.

Bonne réponse : Deux personnages supplémentaires situés à l'entrée de la pièce

Le miroir convexe reflète la pièce sous un autre angle et révèle deux personnages supplémentaires situés près de l'entrée. L'un d'eux a parfois été identifié à Jan van Eyck lui-même, notamment en raison de l'inscription « Johannes de Eyck fuit hic » placée au-dessus du miroir, mais cette identification reste discutée. Le sens exact de la scène représentée dans ce célèbre tableau de 1434 continue lui aussi de faire débat.

Bonne réponse : À la forme anatomique d'un cerveau humain

Plusieurs chercheurs ont remarqué que le manteau et les figures entourant Dieu présentent des ressemblances avec une coupe anatomique du cerveau humain. Cette interprétation, popularisée notamment par une étude médicale publiée en 1990, reste une hypothèse et non une intention démontrée de Michel-Ange. Elle intrigue d'autant plus que l'artiste avait étudié l'anatomie humaine et pratiqué des dissections. La Création d'Adam, peinte vers 1511, fait partie du célèbre plafond de la chapelle Sixtine au Vatican.

Bonne réponse : La critique y vit une provocation politique liée aux luttes sociales de l'époque

Le glanage — la collecte des épis oubliés après la moisson, droit accordé aux plus pauvres — était en 1857 perçu comme un symbole de misère et de tensions sociales, neuf ans seulement après les révolutions de 1848. La critique bourgeoise du Second Empire y vit une apologie de la « trilogie socialiste » et une menace : un journaliste décrivit les glaneuses comme « les Parques de la misère ». Millet, fils de paysans normands, peignait la réalité du monde agricole sans idéalisation. Le tableau est aujourd'hui conservé au musée d'Orsay à Paris.